Bancos Indígenas de Brasil

A Coleção BEĨ nasceu de um deslumbramento estético, num contato casual com as peças. O interesse, àquela altura, eram os bancos em si, a inequívoca beleza de suas formas, cores, grafismos e texturas. A funcionalidade aliada à elegância revelava uma clara proximidade dos bancos com o design contemporâneo, ao mesmo tempo em que eles carregavam a história e a cultura dos povos que os fabricavam. O mergulho nesse universo estético ajudou ainda a iluminar as ligações entre a arte brasileira “oficial” e a arte indígena – ou, em outras palavras, mostrou o quanto as manifestações artísticas do Brasil urbano e moderno devem à arte de seus povos originários. Tornou-se claro que a coleção não era um agrupamento de objetos exóticos, mas uma reunião de obras que diziam respeito à identidade brasileira. O aprofundamento dessa constatação resultou também, inevitavelmente, no estreitamento dos laços com as etnias indígenas e seus artistas.

A publicação do livro “Bancos Indígenas do Brasil”, em 2015, marca um ponto de inflexão na Coleção BEĨ. O longo processo de edição que precedeu o lançamento foi também um período de transformações conceituais. Se o objetivo inicial do livro era documentar o acervo, a complexidade das peças acabou por impor uma série de questionamentos de difícil resposta, pois os bancos esfumaçam os limites entre a arte e o artefato, o objeto sagrado e a mercadoria, a tradição e a experimentação. Embora tenham peso simbólico e ritualístico, eles respondem também à demanda de compradores e colecionadores; são fabricados de acordo com técnicas e modelos imemoriais, transmitidos de geração a geração, mas são também obras únicas, nas quais é possível reconhecer não apenas os sinais da cultura de que provêm, mas também o estilo único daquele que as talhou – a marca do autor, que não se confunde com o grupo. Ao publicar o nome desses criadores – o que exigiu em alguns casos meses de pesquisas –, o livro os reconheceu e legitimou como artistas.

A partir do lançamento do livro, os bancos foram adquirindo crescente visibilidade fora das aldeias e do universo da pesquisa antropológica. Peças do acervo da coleção foram expostas em diferentes exposições, dentro e fora do Brasil, com a presença de artistas indígenas.

Esse movimento de exposição ao mundo exterior revelou, de forma mais aberta, o modus vivendi daqueles que fabricavam os bancos. À medida que artistas indígenas conquistavam voz e espaço nesse novo contexto, escancararam-se a potência e a vulnerabilidade de sua cultura de origem.

Assim, num terceiro momento, a Coleção BEĨ voltou a dirigir a atenção para a coletividade: não se tratava mais de pensar os bancos como artefatos criados por etnias indígenas homogêneas, mas de entender que cada artista, em sua singularidade, é membro de uma comunidade marcada historicamente pela exclusão, pela violência e por um isolamento que se tornou ainda mais dramático com a pandemia de covid-19.

A diversidade de formas, dimensões e grafismos é nítida. Ao mesmo tempo, ao se manterem mais próximos dos padrões tradicionais e primevos de produção, os bancos revelam um pouco da extrema sofisticação estética das civilizações que floresceram no Brasil pré-colonial. Dessa forma, a partir de um único objeto, de um objeto “menor” como um banco, pode-se reconstruir toda a variedade, a diversidade e o refinamento das culturas ancestrais brasileiras, que permanecem vivas, a despeito das reiteradas agressões a que vêm sendo submetidas. 

A dinâmica da Coleção BEĨ funciona em uma relação de mão dupla: por um lado, comprar, preservar, catalogar e expor os bancos resulta em um aprendizado em várias esferas – cultural, artística, ambiental, pessoal; por outro, esse movimento oferece uma oportunidade para que as comunidades indígenas conquistem espaço, reconhecimento e autonomia. 

Esta exposição é mais uma etapa desse caminho de amadurecimento, não apenas da coleção em si, mas sobretudo da relação da coleção com as aldeias indígenas. Ela é resultado de uma trajetória que vai do encantamento inicial pela arte tradicional até a compreensão mais profunda de seus significados, além da consciência de que esses povos têm de ser vistos e ouvidos, compreendidos em suas singularidades e respeitados em suas decisões.

Uma mostra no Museu Oscar Niemeyer, grande mestre da arquitetura brasileira, é simbólica pela dimensão do espaço oferecido à coleção, mas principalmente porque o arquiteto sempre teve uma relação estreita com a estética dos povos indígenas do Brasil. Segundo Ciro Pirondi, presidente da Fundação Oscar Niemeyer, “o desenho como expressão de uma liberdade presente na cultura material dos indígenas brasileiros compõe a memória das cúpulas ou ocas em concreto de Oscar Niemeyer. As tramas de madeira presentes na estrutura das habitações coletivas indígenas são substituídas por aço e cimento das cúpulas do Planalto, do Ibirapuera e do ‘Olho’ do Museu Niemeyer”.

Queremos expressar nosso agradecimento a Kátia Avillez, que idealizou a exposição e desde o início da Coleção BEĨ trabalhou pela promoção do design indígena; a Marcelo Conrado, pela parceria nas reflexões sobre arte indígena, e à presidente do Museu Oscar Niemeyer, Juliana Vellozo Almeida Vosnika, e equipe, que acolheram a mostra de maneira generosa e sábia, colocando-a ao lado das coleções de arte africana e asiática, compondo um panorama das matrizes da linguagem estética brasileira em uma das instituições culturais mais importantes do país.

Marisa Moreira Salles e Tomas Alvim