Arte y guerra parecen palabras antagónicas, pero aquí aparecen juntas en este interesante conjunto de 37 alfombras afganas, de la colección personal del curador Victor Nosek.

La exposición "Afganistán: alfombras de paz y de guerra", organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se basa en la colección permanente de obras del MON. A diferencia de otras instituciones culturales, la función de un museo, además de cuidar y ampliar su colección, es crear diálogos entre sus obras y las exposiciones que realiza. Esta es una de las propuestas del Museo.

Vale recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, años atrás, del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándola de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al MON al nivel de los principales museos internacionales.

En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Más que apreciar la estética, la exposición nos sensibiliza ante la propuesta y nos lleva a percibir el mundo a través de la mirada provocadora de la denuncia. Ofrece a los visitantes esta experiencia única de buscar significado y reflexionar sobre un tema tan complejo a través de la belleza del arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. Enclavada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su situación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente.

Afganistán es el hogar de una civilización muy antigua, que ya existía como dominio persa cuando Alejandro III de Macedonia, el Grande, viajó por la región y fundó, en 334 a. C., Balhk, uno de sus puestos de avanzada más avanzados en Asia. Parte de la población aún conserva huellas físicas de los antiguos griegos. Esta misma población, de hábitos igualmente ancestrales, está formada por un gran elenco de etnias y tribus resultantes de la ocupación por invasores de diversos orígenes: persas, griegos, mongoles, etc. – a lo largo de su historia, que han inseminado, tanto en la genética como en las arraigadas tradiciones, valores y conceptos que cada uno de ellos defiende con feroz celo.

 Orgullosas de sus raíces, estas etnias y tribus, que se dividen entre las corrientes suníes y chiítas del Islam –en torno al 90% son suníes y el 10% chiíes, a grandes rasgos–, no aceptan la preponderancia de ninguna otra sobre ellas, por grande que sea. puede serlo numéricamente, aunque actualmente los talibanes suníes, de etnia pastún, dominan el gobierno y la vida pública y oprimen otros aspectos étnicos y religiosos. Los afganos aceptan aún menos la interferencia de otras culturas y recuerdan el período en el que dos de los imperios más grandes del siglo XIX, el ruso y el británico, compitieron en la región por la hegemonía sobre Asia Central, que la historia registró como la “Grande”. Jogo” (el “Gran Juego”).

 Fue este mismo espíritu de resistencia el que se encendió en diciembre de 1979 cuando la Unión Soviética, respondiendo al llamamiento del gobierno comunista entonces en el poder en Afganistán, invadió el país para apoyarlo en la lucha contra los insurgentes muyahidines, formados por grupos que se rebelaron contra la opresión del credo marxista, que entendían como una degradación de los valores del Islam.Esto se debe a que los soviéticos intentaron imponer sus conceptos seculares, cerraron las mezquitas e impidieron el culto público.

 La resistencia dio un giro dramático cuando los soviéticos abandonaron Afganistán en 1991, durante la disolución de la Unión Soviética, dejando espacio para la intensificación de los enfrentamientos entre los feroces grupos militantes que se habían refugiado en las montañas que conforman la accidentada geografía del país. Al mismo tiempo, las tropas occidentales de la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), encabezadas por Estados Unidos, ocuparon el país tras los ataques a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001, que, bajo el liderazgo de Osama bin Laden, fueron perpetrados por Al Qaeda, una de las corrientes más feroces de los muyahidines.

 Después de varios episodios políticos que se sucedieron desde entonces, con la salida de las tropas occidentales en agosto de 2021, los talibanes llegaron al poder en Kabul. Parte de la población que se resiste a sus designios ha estado buscando refugio en otras partes del planeta, incluido Brasil, que ya cuenta con alrededor de cinco mil refugiados.

“Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

 La exposición reúne 37 alfombras procedentes de Afganistán que representan escenas de paz y guerra y reflejan diferentes momentos del panorama sociopolítico y cultural de ese país. La exposición también contará con 19 joyas afganas que forman parte de la vida cotidiana de las personas en las regiones donde se fabricaron las alfombras.

Donde las estrellas se encuentran con las flores

Las alfombras de guerra tribales afganas son parte de la tradición del “arte como retrato de la guerra”.

Son una actualización dramática de esta tradición. Representaban la guerra ruso-afgana y fueron producidos por distintas tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo sin cambios durante siglos.

Construidos en las tierras altas cuando la nieve se derritió, donde los afganos habían ido en busca de pastos para sus rebaños, y en sus hogares fijos durante el invierno.

Las alfombras “vivas” son el resultado de esta forma de vida.

La lana de alta calidad se teñía con tintes naturales recogidos durante la migración anual. Los tejedores, en el silencio de las tiendas, libres de interferencias, utilizaban simples telares horizontales fijados al suelo. Los temas tradicionales, desarrollados de memoria, sin dibujo previo, son característicos de cada artista. Creado preferentemente para uso personal, el excedente se vende y las ganancias se destinan a la compra de joyas de cornalina, piedras utilizadas contra el mal de ojo.

Al principio, en tímidas apariciones dentro de los temas tradicionales, tanques, helicópteros, aviones y granadas pronto ocuparon toda la composición. Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra de esta exposición pertenecen a los primeros diez años de esa guerra, entre 1970 y 1980, cuando el nomadismo pastoril todavía era posible. ¡La llegada del hambre endémica y la aniquilación de los rebaños hicieron inviable el nomadismo y la consiguiente producción de alfombras “vivas” de calidad!

¡Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada!

Afganistán - alfombras de paz y de guerra

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
129 x 92 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
210 x 109 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
194 x 102 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
152 x 92 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
143 x 98 cm

El MON organiza exposición de alfombras afganas

 “Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

“Hoy, un museo no es sólo un lugar de preservación, sino un espacio de diálogo y reflexión. El Museo Oscar Niemeyer ejemplifica este papel con una colección que abarca desde arte hasta piezas históricas y antropológicas, ampliando las barreras físicas de lo que constituye un espacio museístico”, afirma Luciana Casagrande Pereira, secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Nuestro objetivo también es ampliar las referencias culturales. Así, el MON resalta la riqueza de las culturas asiáticas y africanas, que conforman una de las mayores colecciones especializadas de América, presentada tanto en exposiciones de larga duración como en giras por Paraná”, dice la secretaria.

La directora presidente de MON, Juliana Vosnika, comenta que la exposición es una oportunidad para que los visitantes vean de cerca la antigua tradición del tapiz afgano. “Cabe recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, hace años, por parte del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial”, comenta.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándolo de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al Museo Oscar Niemeyer al nivel de los principales museos internacionales.

“En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales”, dice Juliana. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Fausto Godoy, quien durante aproximadamente dos años se desempeñó como embajador de Brasil en Afganistán, habla de la importancia política de la exposición, y el curador Victor Nosek explica que las alfombras que reflejan el tema de la paz son las más antiguas y representan escenas pastorales de naturaleza en general o formas geométricas.

Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra reflejan el período comprendido entre 1970 y 1980 y se exhibirán por separado en la primera planta de la Torre. “Necesitamos mirarlos, entender esa estética y reflexionar sobre cómo es posible crear belleza en la guerra”, provoca Godoy.

Recuerda que Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. “Atrapada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su ubicación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones, sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente”, afirma.

El coleccionista y curador de la exposición explica que las alfombras tribales de guerra afganas forman parte de la tradición: el arte como retrato de la guerra. "Son una actualización dramática de esta tradición", informa Nosek.

Según él, estas piezas representan los primeros años de la guerra ruso-afgana y fueron producidas por diferentes tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo inalterado durante siglos. “Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada”, afirma el curador.

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Cada exposición que realiza MON en su icónico Olho es única. Lo que el público ve es siempre la suma del talento de un gran artista –en este caso, el contemporáneo francés Jean-Michel Othoniel– con un espacio expositivo único e impactante, considerado en sí mismo una obra de arte, diseñado por el maestro Oscar Niemeyer. .

Durante más de dos décadas se realizaron allí varias exposiciones importantes. Sin embargo, cada uno de ellos gana un carácter único, con gran dramatismo y fuerza, atrayendo siempre a miles de visitantes.

Esta vez, el genio de Othoniel supera cualquier expectativa al transformar la sala de exposición en una especie de gran planetario, con los signos del zodíaco flotando en forma de 12 esculturas de vidrio soplado. En el suelo, el artista instaló un mar de ladrillos de vidrio azul que reflejan, al mismo tiempo, la constelación y el arco imaginados por el arquitecto. Una combinación sorprendente.

La primera gran exposición individual de Othoniel en Brasil se construyó en medio de esta memoria poética y encantadora que evoca nuestro origen y esencia. Cuando conectamos con el cielo y las estrellas, reflexionamos.

Como si no encajara dentro del espacio expositivo del Museo, la obra de Othoniel va más allá. Al pie del edificio Olho, el público verá grandes esculturas abstractas, inspiradas en flores, que flotan en el espejo de agua provocando un efecto surrealista.

Una de las premisas del Museo es brindar experiencias inspiradoras y transformadoras, estableciendo diálogos entre el público y el arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Director General del Museo Oscar Niemeyer

El ojo de la noche es azul y sus constelaciones son los colores del arco iris. Con esta exposición, el Ojo, la sala de exposiciones más grande del Museo Oscar Niemeyer, se convierte en un planetario donde mis esculturas de vidrio suspendidas evocan los signos del zodíaco. El espacio está sumido en la oscuridad y mis obras en espejos y cristales de colores reflejan la arquitectura delirante de Oscar Niemeyer. La sala es un inmenso ojo de vidrio, hormigón y acero, suspendido como un nido de águila a 20 metros del suelo, sobre un espejo de agua, y es el último museo diseñado por este gran genio de la arquitectura brasileña para la capital de Paraná. Me encanta la arquitectura psicodélica y esta exposición es un desafío a la locura, los sueños y las estrellas.

Para el Ojo, diseñé 12 móviles cósmicos suspendidos, construidos como cuentas de vidrio entrelazadas. Se asemejan al movimiento de las estrellas en Aries, Tauro, Géminis, Cáncer, Leo, Virgo, Libra, Escorpio, Sagitario, Capricornio, Acuario y Piscis. Estas 12 esculturas de constelaciones se reflejan en las paredes de vidrio del museo y en un mar de 6.000 ladrillos de vidrio color aguamarina en el suelo.

Debajo de este cuerpo de agua imaginario, un estanque real alberga cinco grandes esculturas inspiradas en el mundo natural tan presente en Paraná. Flores gigantes cubiertas de pan de oro, como astrolabios, mezclan sus reflejos con los del Ojo del Arquitecto.

Estos reflejos en un Ojo Dorado siguen las líneas energéticas creadas por Niemeyer. Cuando era un joven artista, tuve la suerte de conocer a Oscar una noche, en su casa de Río, con vistas a la playa y al cielo nocturno. El recuerdo de mirar las estrellas con él a través de un gran ventanal, como si mirara el universo curvo de Brasilia, me dejó una profunda impresión. Fue sobre esta memoria poética que se construyó mi primera gran exposición individual en Brasil.

“El ojo de la noche”, del artista francés Jean-Michel Othoniel, es una producción del Museo Oscar Niemeyer. La exposición presenta obras en el Ojo, en los Espacios Araucaria 1 y 2 y en el área externa (Espejo de agua). La curaduría es de Marc Pottier.

La genialidad de Othoniel supera cualquier expectativa al transformar la sala de exposiciones del Ojo en una especie de gran planetario, con los signos del zodíaco flotando en forma de 12 esculturas de vidrio soplado.

En total, la exposición presenta 25 obras de gran formato. Las esculturas están realizadas en diferentes materiales, como: vidrio espejado y acero inoxidable, vidrio espejado y madera, y acero y hojas doradas.

Para Jean-Michel Othoniel, lo maravilloso es el desafío de este siglo. «El Ojo de la Noche», en el emblemático «ojo» del Museo, sus doce móviles cósmicos representan los signos del zodíaco. Se asemejan al movimiento de las estrellas que se reflejan en las paredes de cristal del museo y también en un mar, formado por seis mil ladrillos de vidrio de color aguamarina, colocados en el suelo. Pero antes, es posible que el visitante ya haya descubierto en los espejos de agua exteriores cuatro grandes esculturas inspiradas en la naturaleza. Son flores gigantescas cubiertas de hojas de oro, que como astrolabios mezclan sus reflejos, cómplices, con la mirada del gran arquitecto brasileño. El artista transforma MON en un enorme planetario con sus matemáticas celestes que remiten al universo y al infinito.

El título de la exposición evoca un universo impregnado de surrealismo y literatura. “Tengo la sensación de que Brasil es un país de historias, de encuentros, donde lo maravilloso convive con la realidad, donde el color convive con el negro. Y en esta exposición me gustaría evocar todos estos sentimientos antagónicos, todas estas emociones tan ricas, listas para ser exploradas en esta cultura que estoy descubriendo”, confía el artista.

Pensó en esta instalación móvil como una danza en el cielo, que nos obligaría a levantar los ojos, mirar al aire, levantar la cabeza y así sentir una sensación de elevación. Jean-Michel siempre ha defendido esta noción de encanto, de lo maravilloso, de lo infinito, del cosmos, que son algunas de las claves para distanciarnos un poco de la realidad, sin dejar de ser conscientes de nuestra fragilidad en el universo.

Othoniel también quiso colocar esculturas, inspiradas en flores, en los espejos de agua del exterior. Al igual que la construcción de Niemeyer, que se inspiraría en la Araucaria, árbol simbólico de la región de Paraná, se aseguró de que sus lotos se elevaran sobre el agua, mostrando sus reflejos a través de las hojas de oro y los espejos. Estas esculturas son un homenaje a la pasión de Niemeyer por la botánica.

Jean-Michel Othoniel - El ojo de la noche

Vidro espelhado e aço inoxidável
108 x 87 x 63 cm
Coleção do artista

Vidro espelhado e aço inoxidável
112 x 118 x 56 cm
Coleção do artista

Vidro espelhado e aço inoxidável
89 x 71 x 46 cm
Coleção do artista

Aço inoxidável
85 x 156 x 80 cm
Coleção do artista

Aço inoxidável
128 x 152 x 61 cm
Coleção do artista

El ojo de la noche: un “planetario” de Jean-Michel Othoniel diseñado especialmente para el MON en honor a Oscar Niemeyer

“El ojo de la noche”, del artista francés Jean-Michel Othoniel, es la próxima gran exposición internacional en el Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición se inaugurará el 22 de noviembre, aniversario del MON, y presentará obras en el Ojo, en los Espacios Araucaria 1 y 2 y en el área externa (Espejo de agua). Con curaduría de Marc Pottier.

“Es una inmensa alegría recibir en el MON una exposición exclusiva de tal magnitud de Jean-Michel Othoniel, celebrando el aniversario del Museo y fortaleciendo el gran diálogo cultural entre Paraná y Francia”, afirma la secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“Cada exposición realizada por el MON en su icónico Ojo es única. Lo que ve el público es siempre la suma del talento de un gran artista, en este caso, el contemporáneo francés Jean-Michel Othoniel, con un espacio expositivo único e impactante, considerado en sí mismo una obra de arte, diseñado por el maestro Oscar Niemeyer”, explica la directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika.

“La genialidad de Othoniel supera cualquier expectativa al transformar la sala de exposición en una especie de gran planetario, con los signos del zodíaco flotando en forma de 12 esculturas de vidrio soplado”, comenta.

En el suelo, el público verá un mar de ladrillos de vidrio azul que reflejan, al mismo tiempo, la constelación y el arco imaginados por el arquitecto, en una combinación sorprendente.

“Como si no cupiera simplemente dentro del espacio expositivo del Museo, la obra de Othoniel va más allá. Al pie del edificio Ojo, el público verá grandes esculturas abstractas, inspiradas en flores, que flotan en el espejo de agua, provocando un efecto surrealista”, dice Juliana. Explica que ésta ha sido una premisa del Museo: romper los límites físicos y traspasar los lugares originalmente destinados a exposiciones, invadiendo otros espacios.

En total, la exposición presenta 25 obras de gran dimensión. Las esculturas están compuestas por diferentes materiales, como: vidrio espejado y acero inoxidable, vidrio espejado y madera, acero y hojas doradas.

El curador explica que el título de la exposición evoca la forma del edificio donde se ubica la sala de exposiciones. “El edificio excepcional y este ‘ojo’ elevado, construido por Niemeyer, es un lugar mucho más complejo de lo que parece, a pesar de la sencillez de su diseño”, comenta Pottier. "El techo es curvo y las paredes de ambos lados son de cristal, como si estuvieran suspendidas del suelo".

Pottier explica la opción de instalar grandes esculturas abstractas, inspiradas en flores, en el espejo de agua exterior. “Al igual que la construcción de Niemeyer, que estaría inspirada en la Araucaria, árbol simbólico de la región de Paraná, él se aseguró de que sus lotos se elevaran sobre el agua mostrando sus reflejos”, dice. Estas esculturas, que son monumentales, parecen relativamente pequeñas en comparación con el gigantismo del edificio y son un homenaje a la pasión de Niemeyer por la botánica”.

Jean-Michel Othoniel cuenta que, cuando era un joven artista, tuvo la oportunidad de conocer personalmente a Oscar Niemeyer, en la casa del arquitecto, en Río de Janeiro. “El recuerdo de contemplar las estrellas con él a través de un gran ventanal, como si mirara el universo curvo de Brasilia, me dejó una profunda impresión”, dice. “Fue en esta memoria poética que se construyó mi primera gran exposición individual en Brasil”, dice el artista. 

Jean-Michel Othoniel (Francia, 1964) es un artista contemporáneo que vive y trabaja en París. Multidisciplinario, desde finales de los años 1980, Othoniel ha trabajado en varias áreas: del dibujo a la escultura, de la instalación a la fotografía y de la escritura a la performance. En 1993 empezó a utilizar vidrio, que se convirtió en su marca registrada.

Desde su primer encargo público en París en 2000, “Le Kiosque des Noctambules”, su obra ha sido expuesta tanto en museos como en espacios públicos. Entre ellas, el proyecto de esculturas de fuentes de vidrio dorado proyectadas en los jardines del Palacio de Versalles, “Les Belles Danses” y “Alfa”, una instalación para el nuevo Museo Nacional de Qatar, con 114 esculturas de fuentes. En 2019, una nueva serie de pinturas entró en la colección permanente del Museo del Louvre.

Jean-Michel Othoniel ha realizado importantes exposiciones en todo el mundo desde su participación en la Documenta de Kassel en 1992. Tuvo una importante retrospectiva en el Centro Georges Pompidou de París: “My Way”. Este fue exhibido en el Museo de Arte Leeum Samsung/Plateau, en Seúl; en el Museo Hara de Arte Contemporáneo, en Tokio; en el Museo de Arte de Macao, y en el Museo de Brooklyn, en Nueva York.

En los últimos años, Othoniel ha expuesto en museos y jardines del Petit Palais, de París; en el Museo de Arte de Seúl y el Jardín Botánico de Brooklyn. Actualmente, sus obras se encuentran en algunos de los museos, fundaciones y colecciones privadas de arte contemporáneo más reconocidos del mundo.

“El ojo de la noche”, del artista francés Jean-Michel Othoniel, es una producción del Museo Oscar Niemeyer. La exposición presenta obras en Olho, Espacios Araucária 1 y 2 y en el área externa (espejo de agua). Comisariada por Marc Pottier.

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Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

A chegada da coleção asiática ao MON, anos atrás, elevou o Museu Oscar Niemeyer (MON) ao patamar dos grandes museus internacionais. A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, que apresenta um recorte desse acervo, doado pelo diplomata Fausto Godoy, já teve algumas reformulações e rendeu itinerâncias pelo interior do Estado do Paraná, alcançando milhares de pessoas. 

Agora, de uma maneira arrojada e singular, a exposição se renova, com o objetivo de chegar a um público cada vez maior, democratizando ainda mais o acesso a essa riquíssima coleção.

Entendemos o Museu como um espaço vivo, dinâmico e de eterna troca entre visitantes, artistas e curadores. Desta vez, a intenção do MON é trazer um diálogo entre arte asiática clássica e artistas contemporâneos daquele continente. 

A arte contemporânea busca nos mostrar que sempre pode haver beleza nas imperfeições e nos processos. Todos estamos em constante mutação e a arte é um caminho para o equilíbrio móvel que é a vida. 

Como estar em harmonia com a impermanência é a proposta desta intervenção da mostra asiática. Entre outras novidades, o público encontrará experiências imersivas em tempo real, biblioteca de vídeos interativos, videoinstalação e um “Museu Virtual” com 16 obras de 12 artistas asiáticos. Dessa forma, o MON mantém sua premissa de oferecer experiências únicas e transformadoras aos visitantes.

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática do MON é composta por 3 mil peças de arte e, quando chegou, provocou uma discussão sobre a definição de uma nova linha curatorial pelo conselho cultural do Museu. 

Foi quando se abriu espaço no acervo, com ênfase também para as artes asiática, africana e latino-americana, em consonância com os grandes museus do mundo, tornando-o distinto da tendência eurocêntrica que domina a cultura ocidental.

Um museu existe a partir do seu acervo, mas é da interação entre o público e suas obras que são disseminados cultura e conhecimento, bens que nos fazem mais humanos.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente Museu Oscar Niemeyer

El MON renueva la exposición asiática en un diálogo con el arte contemporáneo de ese continente

“Vivir en armonía con la impermanencia”, con curaduría de Géraldine Lenain, es la nueva edición de la exposición “Asia: la Tierra, los hombres, los dioses”, organizada por el Museo Oscar Niemeyer y expuesta en la Sala 5.

Entre otras novedades, el público encontrará experiencias inmersivas en tiempo real, una biblioteca de videos interactivos, una videoinstalación y un “Museo Virtual” con 16 obras de 12 artistas asiáticos. De esta forma, el MON mantiene su premisa de ofrecer experiencias únicas y transformadoras para los visitantes.N mantém sua premissa de oferecer experiências únicas e transformadoras aos visitantes.

A impermanência é um dos princípios fundamentais da filosofia budista. Isso significa que nada é imutável, tudo está em constante movimento. Portanto, precisamos nos adaptar às mudanças inevitáveis em nosso ambiente e, consequentemente, rever nossas certezas, nossos comportamentos e nossos hábitos. Na Ásia, a impermanência é tão antiga quanto o tempo, e ainda é relevante hoje.

O tema assume seu significado pleno no diálogo entre a coleção de arte asiática clássica de Fausto Godoy e as obras de artistas asiáticos contemporâneos. Biblioteca de vídeos Aika, Museu virtual Aika, vídeo DSL de paisagem em movimento, interação virtual Jisoo e performances Jisoo ilustram esse processo de movimento. Tudo está sempre em movimento.

Viver em harmonia com a noção de impermanência não significa condenar-se ao desespero e à depressão, mas sim, lembrar-se diariamente do milagre e da beleza desta vida que nos é oferecida. Ninguém sabe quando deixará este mundo. O convite é, portanto, para saborearmos plenamente todas as bênçãos da existência enquanto ainda podemos. Não há tempo a perder para se alegrar e celebrar a vida.

O conceito japonês wabi-sabi, um pilar da coleção de Fausto Godoy, celebra a beleza da imperfeição e da impermanência, um reflexo do ciclo da vida. É um princípio segundo o qual a harmonia está na naturalidade e na espontaneidade, e não na ausência de defeitos. Assim, a assimetria, a impermanência, os desequilíbrios, as formas incompletas e as rupturas passam a sublimar as coisas. O wabi-sabi é a plenitude que sentimos quando contemplamos uma paisagem natural, uma tigela de terracota de aparência irregular ou até mesmo quando saboreamos um vinho que melhorou com o passar dos anos.

Jisoo Yoo
Instalación interactiva
Dimensiones variables

Guerra Sino Japonesa: Capitão Asakawa Migita Toshihide (1862 – 1925)

Recipiente com inscrições do Alcorão 

“Vivir en armonía con la impermanencia”, con curaduría de Géraldine Lenain, es la nueva edición de la exposición “Asia: la Tierra, los hombres, los dioses”, organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), y expuesta en la Sala 5.

Luciana Casagrande Pereira, secretaria de Estado de Cultura de Paraná, señala que la renovación de la exposición asiática refuerza el compromiso del MON de ofrecer al público una experiencia cultural amplia y diversa. “Esta exposición nos invita a reflexionar sobre la impermanencia, la transformación y, por primera vez desde la llegada de la colección asiática a la colección del MON, habrá una integración entre el pasado y la época contemporánea, lo que realmente debe instigar al público”, señala.

“La llegada de la colección asiática al MON, hace años, elevó al MON al nivel de los grandes museos internacionales”, comenta la directora general de la institución, Juliana Vosnika. La exposición, que presenta una muestra de esta colección, donada por el diplomático Fausto Godoy, ya tuvo algunas reformulaciones y estuvo de gira por el interior del Estado de Paraná, llegando a miles de personas.

“Ahora, de forma audaz y única, la exposición se renueva, con el objetivo de llegar a un público cada vez mayor, democratizando aún más el acceso a esta riquísima colección”, afirma. En esta ocasión, la intención del MON es crear un diálogo entre el arte clásico asiático y los artistas contemporáneos de ese continente.

“El arte contemporáneo busca mostrarnos que siempre puede haber belleza en las imperfecciones y en los procesos. Todos estamos en constante cambio y el arte es un camino hacia el equilibrio móvil que es la vida”, afirma Juliana.

Cómo estar en armonía con la impermanencia es la propuesta de esta intervención en la exposición asiática. Entre otras novedades, el público encontrará experiencias inmersivas en tiempo real, una videoteca interactiva, una videoinstalación y un “Museo Virtual” con 16 obras de 12 artistas asiáticos. De esta manera, el MON mantiene su premisa de ofrecer experiencias únicas y transformadoras a los visitantes.

“La impermanencia es uno de los principios fundamentales de la filosofía budista. Esto significa que nada es inmutable, todo está en constante movimiento”, afirma la curadora. Por tanto, necesitamos adaptarnos a los inevitables cambios de nuestro entorno y, en consecuencia, revisar nuestras certezas, nuestros comportamientos y nuestros hábitos. “En Asia, la impermanencia es tan antigua como el tiempo y sigue siendo relevante hoy”, comenta Geraldine.

Explica que la obra “Mi casa en el aire”, performance de la artista coreana Jisoo Yoo, que forma parte de la exposición, presenta un espacio familiar (la casa) de manera efímera e inestable. “En su trabajo, la incertidumbre y la fragilidad no son necesariamente negativas. Como dijo Buda, no hay nada constante excepto el cambio”, afirma.

La intervención asiática contemporánea también presenta la exposición virtual “Como una rueda dentro de una rueda”, con curaduría de Martina Köppel-Yang, que reúne obras que abordan la noción de cambio e impermanencia.

Las obras presentadas en la exposición abordan este tema desde diferentes ángulos y en diferentes soportes: escultura, fotografía, video y pintura. El aspecto de la agencia es más predominante en las obras de Adel Abdessemed, Chen Zhen, Shen Yuan, Tian Dexi y Zheng Guogu, mientras que An Xiaotong, Chen Shaoxiong, Jia Aili, Jin Jiangbo, Wang Du, Wang Qingsong y Yang Jiechang abordan otras facetas, como la memoria, la pérdida y las visiones de armonía y belleza.

En esta exposición, los artistas representados son: Adel Abdessemed, An Xiaotong, Chen Zhen, Chen Shaoxiong, Jia Aili, Jin Jiangbo, Shen Yuan, Tian Dexi, Wang Du, Wang Qingsong, Yang Jiechang y Zheng Guogu.

La biblioteca interactiva reúne los videos: “Jiang Nan Poem” (2005), de Qiu Anxiong, que combina imágenes tradicionales de China de ramas de árboles, pájaros y espacio, utilizando cambios sutiles entre elementos estáticos y dinámicos para crear una relación temporal y espacial.

“Post Pause” (2004), de Jiang Zhi, presenta una narrativa poética y onírica ambientada en una tranquila mañana en Shenzhen, mezclando la vida urbana cotidiana con la intersección del artista entre poética y sociología.

“Joss” (2013), de Cheng Ran, con comentarios crítico-sociales sobre la globalización cultural china con un cine crítico estilizado.

“Speech” (2005), de Li Songhua, presenta a un joven chino que lee un discurso sobre el glorioso futuro económico de China. Y finalmente, el video “Wing and Water – Zheng Guogu”, protagonizado por el artista chino contemporáneo Zheng Guogu y dirigido por Felicitas Yang.

Y también la Colección DSL, con “Phantom Landscape” (2009), obra cinematográfica de animación de Yang Yongliang, que mezcla el crecimiento urbano con la vida moderna y tradiciones culturales estancadas.

Disputada por otras instituciones de Brasil y por coleccionistas del exterior, la colección asiática del MON está compuesta por 3.000 obras de arte. Cuando llegó en 2018, provocó una discusión sobre la definición de una nueva línea curatorial por parte del consejo cultural del Museo.

Fue entonces cuando se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en consonancia con los grandes museos del mundo, diferenciándolo de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental.

El Museo Oscar Niemeyer (MON) es un sitio patrimonial estatal vinculado a la Secretaría de Estado de Cultura. La institución alberga importantes referentes de la producción artística nacional e internacional en las áreas de artes visuales, arquitectura y diseño, además de grandes colecciones asiáticas y africanas. En total, la colección cuenta con aproximadamente 14 mil obras de arte, alojadas en un espacio de más de 35 mil metros cuadrados de área construida, lo que convierte al MON en el museo de arte más grande de América Latina.

“Vivir en armonía con la impermanencia”
Del 22/11
Sala 5
www.museuoscarniemeyer.org.br

Asia: Vivir en armonía con la impermanencia

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La exposición del MON en Curitiba revela un ángulo completamente diferente sobre el artista y presenta en avant-première algunas obras de sus diarios de viaje.

Zerbini inició sus diarios de viaje en 2014. Son obras en pintura acrílica o acuarelas. La mayor parte del tiempo, Luiz utiliza pequeños lienzos, en chasis, optando por un cuaderno para sus acuarelas. Estas pequeñas obras le permiten tener una relación directa con el paisaje.

Con “Cochicho”, Luiz Zerbini nos adentra en su intimidad. Quería que la exposición fuera como un susurro, un cuchicheo, que dirige a los artistas seleccionados de la colección del MON del proyecto “Afinidades”, y luego, indirectamente al público, con un verdadero espíritu de compartir sus momentos privilegiados.

A través de 44 pinturas, 11 acuarelas y 12 monotipos, Luiz Zerbini nos abre por primera vez su jardín secreto. Como en muchos diarios de viaje, Luiz titula sus obras simplemente por los lugares que visitó o por el nombre del objeto descrito.

Fue la visita a las colecciones del MON lo que le dio a Luiz Zerbini la idea de presentar sus diarios de viaje. Allí encontró paisajistas que no conocía, pero cuyas visiones lo conmovieron. Luiz siempre ha estado atento a este tipo de trabajo.

“Affinities”, ahora en su tercera edición, es un juego sutil en el que se invita a artistas a aprovechar las colecciones del MON y crear una exposición en la que las obras seleccionadas de la colección del Museo hacen eco de las de los artistas invitados. Así, en su búsqueda del tesoro, Luiz Zerbini seleccionó cinco artistas que respondieron a esta atenta observación de la naturaleza, que tanto le gusta.

“Afinidades III – Cochicho”, de Luiz Zerbini, trae al MON esta mirada delicada e íntima hacia la naturaleza, creando así un momento para detenerse y meditar. 

La exposición “Afinidades III – Cochicho” es la tercera edición del Museo Oscar Niemeyer, iniciada en 2021. Con curaduría de Marc Pottier, el artista contemporáneo Luiz Zerbini seleccionó obras de cinco importantes nombres del arte paranaense presentes en la colección del MON, presentadas al lado de las suyas, en la sala 7.

Ellos son: Guido Viaro, Miguel Bakun, Bruno Lechowski, Guilherme William Michaud y Theodoro de Bona. En común, o por afinidad, todas las obras presentadas en la exposición tienen como temática la naturaleza.

 “Afinidades III – Cochicho” é muito mais que uma mostra. É a terceira edição de uma importante realização do Museu Oscar Niemeyer que intenciona valorizar e dar visibilidade ao seu acervo. 

O MON é o maior museu de arte da América Latina. Com 35 mil metros quadrados de área total, abriga referenciais da produção artística nacional e internacional, contando com mais de 14 mil obras entre artes visuais, arquitetura e design. 

O acervo é o coração de um museu, sua parte mais importante e vital, e ele só faz sentido se alcançar e interagir com as pessoas. Com este projeto, o MON facilita uma aproximação do público, propiciando novas interpretações e formas e articulando um diálogo maior entre visitantes, artistas e instituição.

O projeto “Afinidades” teve início em 2021, quando artistas paranaenses, ou com forte ligação com o nosso Estado, foram convidados a fazer uma imersão no acervo do MON. A partir daí surgiram afinidades entre obras, artistas e curadores.

A segunda edição, no ano seguinte, reuniu apenas artistas mulheres, de diversas regiões do Brasil, que mergulharam na coleção permanente do Museu. O olhar feminino das convidadas conferiu à exposição uma grande diversidade de obras, passando por épocas e temáticas distintas. O resultado instigou e sensibilizou o espectador, a partir de diferentes abordagens.

Desta vez, um novo formato foi proposto. O renomado artista contemporâneo Luiz Zerbini apresenta suas pinturas, aquarelas e monotipias que representam diários de viagens. Intitulada “Cochicho”, a coletânea nos leva para a sua intimidade, como um sussurro. 

Após fazer uma imersão no acervo do MON, Zerbini selecionou obras de cinco importantes nomes da arte paranaense: Guido Viaro, Miguel Bakun, Bruno Lechowski, Guilherme William Michaud e Theodoro de Bona. 

Em comum, ou por afinidade, assim como as suas obras apresentadas aqui, todos os trabalhos escolhidos têm como tema a natureza. O resultado é surpreendente.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer

Luiz Zerbini
Acrílica sobre tela 
30 x 24 cm
Coleção Luiz Zerbini Studio

Luiz Zerbini
Acrílica sobre tela 
30 x 40 cm
Coleção Luiz Zerbini Studio

Luiz Zerbini
Acrílica sobre tela
30 x 40 cm 
Coleção Luiz Zerbini Studio

El MON celebra la tercera edición de “Afinidades”, una iniciativa que acerca su colección al público

La exposición “Afinidades III – Cochicho” se inaugurará el 22 de noviembre, fecha del vigésimo segundo aniversario del Museo Oscar Niemeyer. Es la tercera edición del MON, que comenzó en 2021. Con la curaduría de Marc Pottier, el artista contemporáneo Luiz Zerbini seleccionó obras de cinco importantes nombres del arte paranaense para ser presentadas junto con las suyas, en la Sala 7. 

Para la secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira, “Afinidades III – Cochicho” refuerza el compromiso del Museo Oscar Niemeyer de poner en valor la colección de Paraná y promover el diálogo entre diferentes generaciones de artistas. “Se trata de un proyecto que acerca al público al rico patrimonio cultural de Paraná, además de crear nuevas conexiones a partir de la mirada de Luiz Zerbini sobre la naturaleza y los paisajes brasileños y paranaenses”, afirma.

“Es mucho más que una exposición. Es la tercera edición de un importante evento del Museo Oscar Niemeyer que tiene como objetivo valorizar y dar visibilidad a su colección”, explica la directora-presidenta del MON, Juliana Vosnika.

Recuerda que la primera edición del proyecto “Afinidades” invitó a artistas paranaenses, o con fuerte vínculo con nuestro Estado, a sumergirse en la colección del MON. “A partir de entonces surgieron afinidades entre obras, artistas y curadores”, comenta.

La segunda edición, en 2022, reunió únicamente a artistas femeninas, de diferentes regiones de Brasil, que se sumergieron en la colección permanente del Museo. “La mirada femenina de las invitadas dotó a la exposición de una gran diversidad de obras, abarcando diferentes épocas y temáticas. El resultado instigó y sensibilizó al espectador, utilizando diferentes enfoques”, dice Juliana.

Esta vez, Zerbini seleccionó obras de cinco importantes nombres del arte paranaense presentes en la colección del MON: Guido Viaro, Miguel Bakun, Bruno Lechowski, Guilherme William Michaud y Theodoro de Bona. “En común, o por afinidad, al igual que las obras aquí presentadas, todas las obras elegidas tienen como temática la naturaleza”, explica la directora. "El resultado es sorprendente".

Luiz Zerbini presenta en la exposición 44 pinturas, 11 acuarelas y 12 monotipos. “Con estas obras nos adentra en su intimidad”, explica el curador Marc Pottier. Según él, tras visitar las colecciones del MON, el artista decidió presentar por primera vez lo que él llama “diarios de viaje”: sus proprias obras en las que la naturaleza es siempre el tema principal.

“En la colección del MON, Zerbini encontró artistas paisajistas cuyas visiones lo conmovieron”, explica el curador. Pottier afirma que Zerbini siempre estuvo atento a este tipo de obras, observando atentamente, por ejemplo, los paisajes mineros de Guignard (1896-1962), los diálogos cromáticos del artista paulista Rodrigo Andrade (1962-), las marinas de Pancetti (1902 -1958), obras del paisajista francés Corot (1796-1875) y del artista estadounidense Winslow Homer (1836-1910), conocido por sus paisajes marinos, entre otros.

“Con “Afinidades III – Cochicho”, él trae al MON esta mirada delicada e íntima sobre la naturaleza, creando así un momento para detenerse y meditar, antes de que sea demasiado tarde”, dice el curador.

El artista Luiz Zerbini explica que, para él, cochicho (susurro) es una conversación al aire libre entre artistas paisajistas que pasaron muchas horas solos, en silencio, pintando, mirando la naturaleza, el horizonte, las montañas y la costa brasileña. “El susurro es una oportunidad para dar voz al silencio”, afirma.

 La exposición “Afinidades III – Cochicho” es la tercera edición del Museo Oscar Niemeyer, iniciada en 2021. Con curaduría de Marc Pottier, el artista contemporáneo Luiz Zerbini seleccionó obras de cinco importantes nombres del arte paranaense presentes en la colección del MON, presentadas al lado de las suyas, en la sala 7.

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