Arte y guerra parecen palabras antagónicas, pero aquí aparecen juntas en este interesante conjunto de 37 alfombras afganas, de la colección personal del curador Victor Nosek.

La exposición "Afganistán: alfombras de paz y de guerra", organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), se basa en la colección permanente de obras del MON. A diferencia de otras instituciones culturales, la función de un museo, además de cuidar y ampliar su colección, es crear diálogos entre sus obras y las exposiciones que realiza. Esta es una de las propuestas del Museo.

Vale recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, años atrás, del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándola de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al MON al nivel de los principales museos internacionales.

En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Más que apreciar la estética, la exposición nos sensibiliza ante la propuesta y nos lleva a percibir el mundo a través de la mirada provocadora de la denuncia. Ofrece a los visitantes esta experiencia única de buscar significado y reflexionar sobre un tema tan complejo a través de la belleza del arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Diretora-presidente do Museu Oscar Niemeyer 

Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. Enclavada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su situación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente.

Afganistán es el hogar de una civilización muy antigua, que ya existía como dominio persa cuando Alejandro III de Macedonia, el Grande, viajó por la región y fundó, en 334 a. C., Balhk, uno de sus puestos de avanzada más avanzados en Asia. Parte de la población aún conserva huellas físicas de los antiguos griegos. Esta misma población, de hábitos igualmente ancestrales, está formada por un gran elenco de etnias y tribus resultantes de la ocupación por invasores de diversos orígenes: persas, griegos, mongoles, etc. – a lo largo de su historia, que han inseminado, tanto en la genética como en las arraigadas tradiciones, valores y conceptos que cada uno de ellos defiende con feroz celo.

 Orgullosas de sus raíces, estas etnias y tribus, que se dividen entre las corrientes suníes y chiítas del Islam –en torno al 90% son suníes y el 10% chiíes, a grandes rasgos–, no aceptan la preponderancia de ninguna otra sobre ellas, por grande que sea. puede serlo numéricamente, aunque actualmente los talibanes suníes, de etnia pastún, dominan el gobierno y la vida pública y oprimen otros aspectos étnicos y religiosos. Los afganos aceptan aún menos la interferencia de otras culturas y recuerdan el período en el que dos de los imperios más grandes del siglo XIX, el ruso y el británico, compitieron en la región por la hegemonía sobre Asia Central, que la historia registró como la “Grande”. Jogo” (el “Gran Juego”).

 Fue este mismo espíritu de resistencia el que se encendió en diciembre de 1979 cuando la Unión Soviética, respondiendo al llamamiento del gobierno comunista entonces en el poder en Afganistán, invadió el país para apoyarlo en la lucha contra los insurgentes muyahidines, formados por grupos que se rebelaron contra la opresión del credo marxista, que entendían como una degradación de los valores del Islam.Esto se debe a que los soviéticos intentaron imponer sus conceptos seculares, cerraron las mezquitas e impidieron el culto público.

 La resistencia dio un giro dramático cuando los soviéticos abandonaron Afganistán en 1991, durante la disolución de la Unión Soviética, dejando espacio para la intensificación de los enfrentamientos entre los feroces grupos militantes que se habían refugiado en las montañas que conforman la accidentada geografía del país. Al mismo tiempo, las tropas occidentales de la Organización del Tratado del Atlántico Norte (OTAN), encabezadas por Estados Unidos, ocuparon el país tras los ataques a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001, que, bajo el liderazgo de Osama bin Laden, fueron perpetrados por Al Qaeda, una de las corrientes más feroces de los muyahidines.

 Después de varios episodios políticos que se sucedieron desde entonces, con la salida de las tropas occidentales en agosto de 2021, los talibanes llegaron al poder en Kabul. Parte de la población que se resiste a sus designios ha estado buscando refugio en otras partes del planeta, incluido Brasil, que ya cuenta con alrededor de cinco mil refugiados.

“Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

 La exposición reúne 37 alfombras procedentes de Afganistán que representan escenas de paz y guerra y reflejan diferentes momentos del panorama sociopolítico y cultural de ese país. La exposición también contará con 19 joyas afganas que forman parte de la vida cotidiana de las personas en las regiones donde se fabricaron las alfombras.

Donde las estrellas se encuentran con las flores

Las alfombras de guerra tribales afganas son parte de la tradición del “arte como retrato de la guerra”.

Son una actualización dramática de esta tradición. Representaban la guerra ruso-afgana y fueron producidos por distintas tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo sin cambios durante siglos.

Construidos en las tierras altas cuando la nieve se derritió, donde los afganos habían ido en busca de pastos para sus rebaños, y en sus hogares fijos durante el invierno.

Las alfombras “vivas” son el resultado de esta forma de vida.

La lana de alta calidad se teñía con tintes naturales recogidos durante la migración anual. Los tejedores, en el silencio de las tiendas, libres de interferencias, utilizaban simples telares horizontales fijados al suelo. Los temas tradicionales, desarrollados de memoria, sin dibujo previo, son característicos de cada artista. Creado preferentemente para uso personal, el excedente se vende y las ganancias se destinan a la compra de joyas de cornalina, piedras utilizadas contra el mal de ojo.

Al principio, en tímidas apariciones dentro de los temas tradicionales, tanques, helicópteros, aviones y granadas pronto ocuparon toda la composición. Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra de esta exposición pertenecen a los primeros diez años de esa guerra, entre 1970 y 1980, cuando el nomadismo pastoril todavía era posible. ¡La llegada del hambre endémica y la aniquilación de los rebaños hicieron inviable el nomadismo y la consiguiente producción de alfombras “vivas” de calidad!

¡Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada!

Afganistán - alfombras de paz y de guerra

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
129 x 92 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
210 x 109 cm

déc. 1960/70
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
194 x 102 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
152 x 92 cm

déc. 1980
Alfombra tejida manualmente en telares horizontales, utilizando lana de oveja y camello teñida de forma natural. En los cordones laterales se utiliza crin y cola de caballo.
143 x 98 cm

El MON organiza exposición de alfombras afganas

 “Afganistán: alfombras de paz y de guerra” es la nueva creación del Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición podrá verse a partir del 24/10, en la Torre do Olho (planta baja y primera). La curaduría es del coleccionista Victor Nosek, con la colaboración del profesor y diplomático Fausto Godoy.

“Hoy, un museo no es sólo un lugar de preservación, sino un espacio de diálogo y reflexión. El Museo Oscar Niemeyer ejemplifica este papel con una colección que abarca desde arte hasta piezas históricas y antropológicas, ampliando las barreras físicas de lo que constituye un espacio museístico”, afirma Luciana Casagrande Pereira, secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Nuestro objetivo también es ampliar las referencias culturales. Así, el MON resalta la riqueza de las culturas asiáticas y africanas, que conforman una de las mayores colecciones especializadas de América, presentada tanto en exposiciones de larga duración como en giras por Paraná”, dice la secretaria.

La directora presidente de MON, Juliana Vosnika, comenta que la exposición es una oportunidad para que los visitantes vean de cerca la antigua tradición del tapiz afgano. “Cabe recordar que el MON cuenta con la colección de arte asiático más grande de América Latina, luego de la donación de miles de obras, hace años, por parte del diplomático y profesor Fausto Godoy, que marcó una nueva vocación curatorial”, comenta.

Luego se abrió espacio en la colección, con énfasis también en las artes asiáticas, africanas y latinoamericanas, en línea con los grandes museos del mundo, diferenciándolo de la tendencia eurocéntrica que domina la cultura occidental. Esta iniciativa posicionó al Museo Oscar Niemeyer al nivel de los principales museos internacionales.

“En este aspecto, acercamos ahora a nuestro público la antigua tradición del tapiz afgano que, en las últimas décadas, ha incorporado temas bélicos a sus diseños tradicionales”, dice Juliana. Ambos temas se presentan en esta exposición inédita, dividida en dos ejes: la paz y la guerra.

Fausto Godoy, quien durante aproximadamente dos años se desempeñó como embajador de Brasil en Afganistán, habla de la importancia política de la exposición, y el curador Victor Nosek explica que las alfombras que reflejan el tema de la paz son las más antiguas y representan escenas pastorales de naturaleza en general o formas geométricas.

Tribales y contemporáneas, las alfombras de guerra reflejan el período comprendido entre 1970 y 1980 y se exhibirán por separado en la primera planta de la Torre. “Necesitamos mirarlos, entender esa estética y reflexionar sobre cómo es posible crear belleza en la guerra”, provoca Godoy.

Recuerda que Afganistán es una de las regiones políticamente más sensibles del planeta. “Atrapada entre gigantes tan diversos como Rusia, India, Pakistán, Irán y China, su ubicación geográfica no sólo la sitúa en el cruce de grandes civilizaciones, sino también de algunas de las religiones más importantes del planeta: el islam, el hinduismo y el budismo, principalmente”, afirma.

El coleccionista y curador de la exposición explica que las alfombras tribales de guerra afganas forman parte de la tradición: el arte como retrato de la guerra. "Son una actualización dramática de esta tradición", informa Nosek.

Según él, estas piezas representan los primeros años de la guerra ruso-afgana y fueron producidas por diferentes tribus pastoriles seminómadas, cuyo modo de vida se mantuvo inalterado durante siglos. “Que esta exposición contribuya a la reflexión y la humanidad alcance finalmente la paz y el progreso al que está destinada”, afirma el curador.

MON está junto a los principales museos de Brasil y del mundo en la plataforma Google Arts & Culture. Visita nuestras exposiciones en formato virtual. Descubre más sobre esta exposición en la plataforma Google Arts & Culture.

Cada exposición que realiza MON en su icónico Olho es única. Lo que el público ve es siempre la suma del talento de un gran artista –en este caso, el contemporáneo francés Jean-Michel Othoniel– con un espacio expositivo único e impactante, considerado en sí mismo una obra de arte, diseñado por el maestro Oscar Niemeyer. .

Durante más de dos décadas se realizaron allí varias exposiciones importantes. Sin embargo, cada uno de ellos gana un carácter único, con gran dramatismo y fuerza, atrayendo siempre a miles de visitantes.

Esta vez, el genio de Othoniel supera cualquier expectativa al transformar la sala de exposición en una especie de gran planetario, con los signos del zodíaco flotando en forma de 12 esculturas de vidrio soplado. En el suelo, el artista instaló un mar de ladrillos de vidrio azul que reflejan, al mismo tiempo, la constelación y el arco imaginados por el arquitecto. Una combinación sorprendente.

La primera gran exposición individual de Othoniel en Brasil se construyó en medio de esta memoria poética y encantadora que evoca nuestro origen y esencia. Cuando conectamos con el cielo y las estrellas, reflexionamos.

Como si no encajara dentro del espacio expositivo del Museo, la obra de Othoniel va más allá. Al pie del edificio Olho, el público verá grandes esculturas abstractas, inspiradas en flores, que flotan en el espejo de agua provocando un efecto surrealista.

Una de las premisas del Museo es brindar experiencias inspiradoras y transformadoras, estableciendo diálogos entre el público y el arte.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika
Director General del Museo Oscar Niemeyer

El ojo de la noche es azul y sus constelaciones son los colores del arco iris. Con esta exposición, el Ojo, la sala de exposiciones más grande del Museo Oscar Niemeyer, se convierte en un planetario donde mis esculturas de vidrio suspendidas evocan los signos del zodíaco. El espacio está sumido en la oscuridad y mis obras en espejos y cristales de colores reflejan la arquitectura delirante de Oscar Niemeyer. La sala es un inmenso ojo de vidrio, hormigón y acero, suspendido como un nido de águila a 20 metros del suelo, sobre un espejo de agua, y es el último museo diseñado por este gran genio de la arquitectura brasileña para la capital de Paraná. Me encanta la arquitectura psicodélica y esta exposición es un desafío a la locura, los sueños y las estrellas.

Para el Ojo, diseñé 12 móviles cósmicos suspendidos, construidos como cuentas de vidrio entrelazadas. Se asemejan al movimiento de las estrellas en Aries, Tauro, Géminis, Cáncer, Leo, Virgo, Libra, Escorpio, Sagitario, Capricornio, Acuario y Piscis. Estas 12 esculturas de constelaciones se reflejan en las paredes de vidrio del museo y en un mar de 6.000 ladrillos de vidrio color aguamarina en el suelo.

Debajo de este cuerpo de agua imaginario, un estanque real alberga cinco grandes esculturas inspiradas en el mundo natural tan presente en Paraná. Flores gigantes cubiertas de pan de oro, como astrolabios, mezclan sus reflejos con los del Ojo del Arquitecto.

Estos reflejos en un Ojo Dorado siguen las líneas energéticas creadas por Niemeyer. Cuando era un joven artista, tuve la suerte de conocer a Oscar una noche, en su casa de Río, con vistas a la playa y al cielo nocturno. El recuerdo de mirar las estrellas con él a través de un gran ventanal, como si mirara el universo curvo de Brasilia, me dejó una profunda impresión. Fue sobre esta memoria poética que se construyó mi primera gran exposición individual en Brasil.

“El ojo de la noche”, del artista francés Jean-Michel Othoniel, es una producción del Museo Oscar Niemeyer. La exposición presenta obras en el Ojo, en los Espacios Araucaria 1 y 2 y en el área externa (Espejo de agua). La curaduría es de Marc Pottier.

La genialidad de Othoniel supera cualquier expectativa al transformar la sala de exposiciones del Ojo en una especie de gran planetario, con los signos del zodíaco flotando en forma de 12 esculturas de vidrio soplado.

En total, la exposición presenta 25 obras de gran formato. Las esculturas están realizadas en diferentes materiales, como: vidrio espejado y acero inoxidable, vidrio espejado y madera, y acero y hojas doradas.

Para Jean-Michel Othoniel, lo maravilloso es el desafío de este siglo. «El Ojo de la Noche», en el emblemático «ojo» del Museo, sus doce móviles cósmicos representan los signos del zodíaco. Se asemejan al movimiento de las estrellas que se reflejan en las paredes de cristal del museo y también en un mar, formado por seis mil ladrillos de vidrio de color aguamarina, colocados en el suelo. Pero antes, es posible que el visitante ya haya descubierto en los espejos de agua exteriores cuatro grandes esculturas inspiradas en la naturaleza. Son flores gigantescas cubiertas de hojas de oro, que como astrolabios mezclan sus reflejos, cómplices, con la mirada del gran arquitecto brasileño. El artista transforma MON en un enorme planetario con sus matemáticas celestes que remiten al universo y al infinito.

El título de la exposición evoca un universo impregnado de surrealismo y literatura. “Tengo la sensación de que Brasil es un país de historias, de encuentros, donde lo maravilloso convive con la realidad, donde el color convive con el negro. Y en esta exposición me gustaría evocar todos estos sentimientos antagónicos, todas estas emociones tan ricas, listas para ser exploradas en esta cultura que estoy descubriendo”, confía el artista.

Pensó en esta instalación móvil como una danza en el cielo, que nos obligaría a levantar los ojos, mirar al aire, levantar la cabeza y así sentir una sensación de elevación. Jean-Michel siempre ha defendido esta noción de encanto, de lo maravilloso, de lo infinito, del cosmos, que son algunas de las claves para distanciarnos un poco de la realidad, sin dejar de ser conscientes de nuestra fragilidad en el universo.

Othoniel también quiso colocar esculturas, inspiradas en flores, en los espejos de agua del exterior. Al igual que la construcción de Niemeyer, que se inspiraría en la Araucaria, árbol simbólico de la región de Paraná, se aseguró de que sus lotos se elevaran sobre el agua, mostrando sus reflejos a través de las hojas de oro y los espejos. Estas esculturas son un homenaje a la pasión de Niemeyer por la botánica.

Jean-Michel Othoniel - El ojo de la noche

Vidro espelhado e aço inoxidável
108 x 87 x 63 cm
Coleção do artista

Vidro espelhado e aço inoxidável
112 x 118 x 56 cm
Coleção do artista

Vidro espelhado e aço inoxidável
89 x 71 x 46 cm
Coleção do artista

Aço inoxidável
85 x 156 x 80 cm
Coleção do artista

Aço inoxidável
128 x 152 x 61 cm
Coleção do artista

Olho, Espaços Araucária e Espelho D'água

El ojo de la noche: un “planetario” de Jean-Michel Othoniel diseñado especialmente para el MON en honor a Oscar Niemeyer

“El ojo de la noche”, del artista francés Jean-Michel Othoniel, es la próxima gran exposición internacional en el Museo Oscar Niemeyer (MON). La exposición se inaugurará el 22 de noviembre, aniversario del MON, y presentará obras en el Ojo, en los Espacios Araucaria 1 y 2 y en el área externa (Espejo de agua). Con curaduría de Marc Pottier.

“Es una inmensa alegría recibir en el MON una exposición exclusiva de tal magnitud de Jean-Michel Othoniel, celebrando el aniversario del Museo y fortaleciendo el gran diálogo cultural entre Paraná y Francia”, afirma la secretaria de Estado de Cultura, Luciana Casagrande Pereira.

“Cada exposición realizada por el MON en su icónico Ojo es única. Lo que ve el público es siempre la suma del talento de un gran artista, en este caso, el contemporáneo francés Jean-Michel Othoniel, con un espacio expositivo único e impactante, considerado en sí mismo una obra de arte, diseñado por el maestro Oscar Niemeyer”, explica la directora ejecutiva del MON, Juliana Vosnika.

“La genialidad de Othoniel supera cualquier expectativa al transformar la sala de exposición en una especie de gran planetario, con los signos del zodíaco flotando en forma de 12 esculturas de vidrio soplado”, comenta.

En el suelo, el público verá un mar de ladrillos de vidrio azul que reflejan, al mismo tiempo, la constelación y el arco imaginados por el arquitecto, en una combinación sorprendente.

“Como si no cupiera simplemente dentro del espacio expositivo del Museo, la obra de Othoniel va más allá. Al pie del edificio Ojo, el público verá grandes esculturas abstractas, inspiradas en flores, que flotan en el espejo de agua, provocando un efecto surrealista”, dice Juliana. Explica que ésta ha sido una premisa del Museo: romper los límites físicos y traspasar los lugares originalmente destinados a exposiciones, invadiendo otros espacios.

En total, la exposición presenta 25 obras de gran dimensión. Las esculturas están compuestas por diferentes materiales, como: vidrio espejado y acero inoxidable, vidrio espejado y madera, acero y hojas doradas.

El curador explica que el título de la exposición evoca la forma del edificio donde se ubica la sala de exposiciones. “El edificio excepcional y este ‘ojo’ elevado, construido por Niemeyer, es un lugar mucho más complejo de lo que parece, a pesar de la sencillez de su diseño”, comenta Pottier. "El techo es curvo y las paredes de ambos lados son de cristal, como si estuvieran suspendidas del suelo".

Pottier explica la opción de instalar grandes esculturas abstractas, inspiradas en flores, en el espejo de agua exterior. “Al igual que la construcción de Niemeyer, que estaría inspirada en la Araucaria, árbol simbólico de la región de Paraná, él se aseguró de que sus lotos se elevaran sobre el agua mostrando sus reflejos”, dice. Estas esculturas, que son monumentales, parecen relativamente pequeñas en comparación con el gigantismo del edificio y son un homenaje a la pasión de Niemeyer por la botánica”.

Jean-Michel Othoniel cuenta que, cuando era un joven artista, tuvo la oportunidad de conocer personalmente a Oscar Niemeyer, en la casa del arquitecto, en Río de Janeiro. “El recuerdo de contemplar las estrellas con él a través de un gran ventanal, como si mirara el universo curvo de Brasilia, me dejó una profunda impresión”, dice. “Fue en esta memoria poética que se construyó mi primera gran exposición individual en Brasil”, dice el artista. 

Jean-Michel Othoniel (Francia, 1964) es un artista contemporáneo que vive y trabaja en París. Multidisciplinario, desde finales de los años 1980, Othoniel ha trabajado en varias áreas: del dibujo a la escultura, de la instalación a la fotografía y de la escritura a la performance. En 1993 empezó a utilizar vidrio, que se convirtió en su marca registrada.

Desde su primer encargo público en París en 2000, “Le Kiosque des Noctambules”, su obra ha sido expuesta tanto en museos como en espacios públicos. Entre ellas, el proyecto de esculturas de fuentes de vidrio dorado proyectadas en los jardines del Palacio de Versalles, “Les Belles Danses” y “Alfa”, una instalación para el nuevo Museo Nacional de Qatar, con 114 esculturas de fuentes. En 2019, una nueva serie de pinturas entró en la colección permanente del Museo del Louvre.

Jean-Michel Othoniel ha realizado importantes exposiciones en todo el mundo desde su participación en la Documenta de Kassel en 1992. Tuvo una importante retrospectiva en el Centro Georges Pompidou de París: “My Way”. Este fue exhibido en el Museo de Arte Leeum Samsung/Plateau, en Seúl; en el Museo Hara de Arte Contemporáneo, en Tokio; en el Museo de Arte de Macao, y en el Museo de Brooklyn, en Nueva York.

En los últimos años, Othoniel ha expuesto en museos y jardines del Petit Palais, de París; en el Museo de Arte de Seúl y el Jardín Botánico de Brooklyn. Actualmente, sus obras se encuentran en algunos de los museos, fundaciones y colecciones privadas de arte contemporáneo más reconocidos del mundo.

“El ojo de la noche”, del artista francés Jean-Michel Othoniel, es una producción del Museo Oscar Niemeyer. La exposición presenta obras en Olho, Espacios Araucária 1 y 2 y en el área externa (espejo de agua). Comisariada por Marc Pottier.

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Não é exagero chamá-lo de mestre. Com esta mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer, German Lorca, Mestre da Fotografia, o MON confirma sua vocação de, entre outras vertentes artísticas, colecionar e expor fotos, levando-as até o nosso imenso e interessado público espectador.

O premiado fotógrafo brasileiro German Lorca dedicou a maior parte dos seus quase 100 anos de vida (1922-2021) a registrar com suas câmeras cenas, flagrantes e personagens que só poderiam ter sido descobertos por ele. 

Imprimiu marca própria em tudo que fez, revelando imagens inovadoras, o que tornou sua obra inconfundível. Rompeu os limites da fotografia utilizando com maestria técnicas de sombra e luz, buscando sempre novos e diferentes enquadramentos. 

Esta exposição é um testemunho de décadas eternizadas graças ao seu olhar sensível. Sua singular percepção para revelar cenas do cotidiano, de maneira incomum, o alçou à categoria de fotógrafo-artista. 

Sua obra foi incluída nos mais importantes acervos do mundo, como o do Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), entre muitos outros. Aqui no MON, sete fotografias suas fazem parte da coleção permanente do Museu, enriquecendo o nosso acervo.

A mostra “German Lorca, Mestre da Fotografia” nos faz viajar no tempo e no espaço. São imagens geniais que têm poesia, que tocam e inspiram, que permitem um diálogo silencioso com cada visitante. Refletir e admirar é a proposta.

O Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) é considerado um dos museus mais importantes do mundo. Possui obras da década de 1940 e 1950 de German Lorca e duas da icônica série Aeroporto, da década de 1960. Participar da coleção de fotógrafos notáveis do MoMA marca o reconhecimento de German Lorca no contexto da arte mundial. 

Em março de 2021, o museu fez uma grande exposição com foco no Foto Cine Clube Bandeirante, importante formador de fotógrafos brasileiros, frequentado por German Lorca no final dos anos 1940 e início dos anos 1950. As obras de Lorca foram um grande destaque na exposição. 

O Foto Cine Clube Bandeirante, criado em São Paulo no ano de 1939, foi de extrema importância para a disseminação da informação sobre a técnica e a formação de fotógrafos amadores e profissionais. Entre 1949 e 1952, German Lorca participou do Clube. Lá, quebrou as normas da fotografia tradicional, ganhando destaque entre os participantes. Tanto nas excursões fotográficas promovidas pelo grupo, quanto nos salões que participava, as imagens irreverentes e inovadoras de Lorca se destacavam. Eram um contraponto à construção pictórica vigente.

PRIMEIROS TEMPOS: FOTO CINE CLUBE BANDEIRANTE 

German Lorca foi pioneiro em instaurar uma nova visualidade à fotografia brasileira. Explorava planos inusitados e ângulos diferenciados. Experimentava.

Além das imagens figurativas, que buscavam a personalidade do retratado – ou as criava – muitas vezes dava um caráter Expressionista à fotografia. Outras vezes, procurava o Abstracionismo em suas imagens. Flertou com o Concretismo informal, em voga na década de 1950 e 1960. Cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no ato da revelação, mostravam que, em seu laboratório próprio, utilizava técnicas artesanais inovadoras e de difícil manejo.

Lorca encanta-se com o computador e, junto a um assistente, testava as infinitas possibilidades de recriar as imagens, alterando corte, textura e destacando principalmente as cores. Houve uma imagem em especial que o impressionou. Em uma piscina, deparou-se com um colchão inflável em uma manhã de sol. Seus olhos atentos perceberam que a falta total de vento e movimento criou um instante perfeito: parecia que o colchão flutuava no ar e a água não existia. Fez a imagem, mas achou que as cores não correspondiam à magia do momento. Posteriormente, com o assistente do estúdio, foi alterando a imagem até chegar à famosa versão final: “Levitação na Piscina”. Foi assim que resolveu resgatar suas antigas imagens coloridas e produzir novas. 

German Lorca amava Nova Iorque. Esteve lá várias vezes, e em três delas (1967, 1978 e 1984), retratou em preto e branco, de forma fiel, com seu olhar arguto, as figuras que representavam a cidade, algumas vezes tendo como pano de fundo seus principais símbolos. Conseguiu criar um painel muito significativo dos diversos tipos de nova-iorquinos: crianças, jovens, muitos idosos e até turistas. Um grande mosaico social de personagens de uma das principais cidades dos Estados Unidos.

Era o ano de 2014. German Lorca, aos 92 anos, precisou ficar recluso em sua casa devido a uma pequena questão de saúde. Criativo e irrequieto como sempre foi, achou um modo de, sentado próximo à janela da sala, registrar a luz do sol e as formas e sombras que ela causava ao entrar pelas frestas e pelas cortinas. O resultado é um ensaio belíssimo, feito com sua Leica Digital. Um verdadeiro estudo sobre luz e ambiente que ele mesmo denominou, poeticamente, de A Geometria das Sombras.

German Lorca nos impressiona e sobrepõe passado e presente. Convidado em 2018, após completar 70 anos de carreira, a documentar novamente alguns locais de suas fotos icônicas da cidade de São Paulo, surpreende-nos  com a mesma maestria. Aos 96 anos, encara o desafio, sobe a ladeira, procura os mesmos ângulos. Na imagem que fez no Quarto Centenário do aniversário de São Paulo, na inauguração do Parque Ibirapuera, com sua avó e seu filho andando em direção ao prédio da OCA como abduzidos por uma nave espacial, ele reencontra a mesma magia. Fotografa, mais de 60 anos depois, sua sobrinha e o filho pequeno, resgatando a mesma emoção.

Nos anos 1950, com a chegada das montadoras automobilísticas ao Brasil, um grande mercado de publicidade começou a surgir. Os grandes magazines de bens de consumo também estavam investindo. Lorca aliou sua liberdade experimental à curiosidade sobre as técnicas para pesquisar novidades e gerar imagens de impacto para os anúncios. Ao congelar cenas em movimento através dos novos flashes eletrônicos, Lorca gerou imagens publicitárias inovadoras e diferenciadas. Assim como nas imagens autorais, na fotografia comercial o artista sempre fazia a percepção da magia estar presente. Por isso era tão procurado pelas agências, também novas no Brasil, e cresceu com elas. 

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" recorre la trayectoria artística del fotógrafo, reconocida nacional e internacionalmente. Remontándose a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947, la exposición presenta alrededor de 160 fotografías, así como cámaras y otros objetos personales.

Comisariada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la exposición está organizada en ocho secciones que ponen de relieve la mirada afectuosa del fotógrafo sobre el mundo. A lo largo de su carrera, Lorca experimentó con diferentes tipos de fotografía, desde la analógica a la digital, manteniendo siempre su lenguaje único en las escenas que registraba.

GERMAN LORCA, MESTRE DA FOTOGRAFIA
German Lorca foi um dos poucos fotógrafos a vivenciar a fotografia de modo pleno em suas mais diversas modalidades: de amador a profissional, do analógico ao digital, das câmeras aos smartphones. Com uma visão peculiar sobre os mais diversos temas, estabeleceu de maneira única sua linguagem.

No final dos anos 1940, Lorca acompanhou um novo movimento, o alvorecer de uma estética moderna na fotografia brasileira. Afiliou-se ao Foto Cine Clube Bandeirante, na capital de São Paulo, hoje objeto de estudo internacional por seu vanguardismo. Com um olhar único, capaz de conjugar fotografia e arte – diferentemente da fotografia convencional pictórica – em sua longa trajetória artística, por mais de 70 anos, German Lorca sempre foi livre ao fotografar. Sem receio das críticas, manteve-se fiel a si próprio. 

Quando a fotografia moderna tomou impulso e veio revolucionar a cena brasileira, Lorca se destacou com seus cortes e enquadramentos, tanto na captura da foto quanto no processo de revelação. Passou por uma fase chamada "concreta", quando do movimento concretista nos anos 1950. Explorou planos inusitados, ângulos diferenciados, mas o “concretismo" de Lorca não foi exatamente intencional, foi livre e gerou obras belíssimas. 

Na fotografia publicitária, foi pioneiro. Incessantemente atrás de novidades, com audácia nas buscas cromáticas, nos ângulos ousados e temas irreverentes e provocativos, conquistou o mercado publicitário, que iniciava no Brasil. 

Com o olhar inquieto, aproveitou seus raros momentos de intervalo para realizar registros autorais, sempre conseguindo o melhor ângulo da cena que seu olhar escolhia. Com trajetória reconhecida, nacional e internacionalmente, nunca parou; seguiu com seu olhar atento, formando gerações de fotógrafos que se inspiraram, não só em sua técnica, mas em seu jeito afetivo de olhar o mundo. Chamavam-no de mestre. Sempre atemporal, seguiu fotografando até os últimos dias de sua vida extraordinária. Vemos, ao observar o seu trabalho, nosso olhar pousar entre o real e o imaginário. Cada instante como um momento cúmplice. 

Adriana Rede e José Henrique F. Lorca
Curadoria

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.

Pigmento mineral sobre base de celulose
61 x 46,5 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
50 x 41,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
36 x 34,7 cm

Crianças com travesseiro - Anúncio Extra 1972

Pigmento mineral sobre base de celulose
35 x 31,6 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
34,4 x 35 cm

Pigmento mineral sobre base de celulose
43,9 x 61 cm

El MON acoge una nueva exposición inedita de Germán Lorca

La exposición "Germán Lorca, maestro de la fotografía" es la última novedad del Museo Oscar Niemeyer (MON). Curada por Adriana Rede y José Henrique Lorca, hijo del fotógrafo, la muestra estará abierta al público a partir del 5 de julio en la Sala 1.

"Germán Lorca es simplemente uno de los grandes nombres de la fotografía brasileña", afirma la Secretaria de Estado de Cultura de Paraná, Luciana Casagrande Pereira. "Nuestra expectativa para esta exposición de Lorca en el MON es que sea un hito para el Museo debido a la grandeza de su carrera, que merece ser vista, revista y conocida por el público en general aquí en Paraná".

Según la directora-presidenta del Museo Oscar Niemeyer, Juliana Vosnika, la exposición nos hace viajar en el tiempo y en el espacio. "Son imágenes brillantes que tienen poesía, que conmueven e inspiran, que permiten un diálogo silencioso con cada visitante".

Comenta que, "con esta exposición, MON confirma su vocación, entre otras labores artísticas, de coleccionar y exponer fotografías, acercándolas al inmenso e interesado público espectador".

El brasileño Germán Lorca (1922-2021) fue uno de los pocos que experimentó plenamente la fotografía en sus más diversas formas: del aficionado al profesional, de la analógica a la digital, de las cámaras a los smartphones. Con una visión peculiar de los temas más variados, estableció su lenguaje de forma única.

Su obra forma parte de las colecciones más importantes del mundo, como la del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), entre muchas otras. Siete de sus fotografías forman parte de la colección permanente del Museo Oscar Niemeyer.

Dividida en secciones, la exposición incluye una retrospectiva de su obra, que se remonta a sus primeros trabajos como fotógrafo aficionado en 1947. Hay unas 160 fotografías, además de cámaras y otros objetos personales. La exposición recorre la trayectoria de Lorca como artista y profesional de la fotografía, a lo largo de más de 70 años, con una dedicación excepcional, obteniendo varios premios y reconocimientos en Brasil y en el extranjero. 

"Su obra constituye una parte importante de la historia de la fotografía brasileña, acompañando un nuevo movimiento, una nueva forma de expresión fotográfica y los albores de una estética moderna en nuestra fotografía brasileña", afirman los curadore.

A finales de los años 40, Lorca se unió al Foto Cine Clube Bandeirante de São Paulo, hoy objeto de estudio internacional por su vanguardismo. "Cuando la fotografía moderna despegó y revolucionó el panorama brasileño, él destacó por sus cortes y encuadres, tanto al captar la foto como al revelarla", explican Adriana y José Henrique. 

Lorca pasó por una fase llamada "concreta", en la que exploró planos inusuales y ángulos diferentes. En la fotografía publicitaria fue un pionero. Incesantemente en busca de novedades, con audaces búsquedas de color, ángulos atrevidos y temas irreverentes y provocadores, conquistó el mercado publicitario, que apenas comenzaba en Brasil. 

Su carrera ha sido reconocida tanto a nivel nacional como mundial y nunca se ha detenido. Continuó con su atenta mirada, formando a generaciones de fotógrafos que se inspiraron no sólo en su técnica, sino en su afectiva manera de mirar el mundo. "Siempre intemporal, siguió fotografiando hasta los últimos días de su extraordinaria vida", explican los curadores.  

Las ocho nucleos que componen la exposición son: "Lorca en la colección del MoMA", "Primeros tiempos: Foto Cine Clube Bandeirante", "Una mirada libre", "Y se hizo el color", "Nueva York y sus personajes", "La geometría de las sombras", "El tiempo superpuesto" y "El mago de los anuncios".

German Lorca, Mestre da Fotografia é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), em cartaz na Sala 1. A exposição tem curadoria de Adriana Rede e José Henrique Lorca, filho do fotógrafo.
Dividida em núcleos, apresenta uma retrospectiva de sua obra, incluindo desde seus primeiros trabalhos como fotógrafo amador, em 1947. São cerca de 160 fotografias, além de câmeras e outros itens pessoais. 
A mostra percorre a trajetória de Lorca como artista e profissional na fotografia, por mais de 70 anos, com excepcional dedicação, conquistando diversas premiações e reconhecimento, no Brasil e no exterior. 

Germán Lorca, maestro de la fotografía

Mais do que comemorar o centenário deste artista curitibano, que é um dos principais nomes das artes do Estado e do País, a mostra “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), passa a ser um local de referência a Poty Lazzarotto.

A partir de agora, certamente, os visitantes do MON, em especial as centenas de estudantes das redes pública e particular que diariamente frequentam o Museu, poderão saber mais e conhecer melhor esse gênio das artes.

Também é uma oportunidade para o espectador se aprofundar na vida e obra de Poty. Ao proporcionar uma imersão em tão vasto conteúdo, reunido aqui, o MON instiga o público a aumentar repertório ao lançar um novo olhar sobre este artista ímpar. 

Recentemente, o Museu incorporou ao seu acervo a maior coleção já doada à instituição: aproximadamente 4 mil obras de arte assinadas por ele. Um recorte disso pode agora ser visto nesta exposição. Assim, o eixo central deste prédio se transforma em palco para as maiores coleções recebidas pelo MON, ao lado das mostras de arte asiática e africana.

A doação da obra de Poty, generosamente feita pela família do artista, trouxe ao Museu, em 2022, mais de 3 mil desenhos e 366 gravuras, além de tapeçarias, entalhes, serigrafias e esculturas. São obras que enriquecem ainda mais o acervo do MON, que nos últimos anos quintuplicou de tamanho, consolidando o Museu como um dos mais importantes da América Latina. 

Ser a instituição que guarda o legado de Poty é motivo de orgulho, alegria e responsabilidade. Nesta mostra, compartilhamos com o visitante um pouco desses sentimentos, traduzidos pelos traços inconfundíveis do artista. Pertencimento aqui tem nome e sobrenome: Poty Lazzarotto.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente
Museu Oscar Niemeyer

“A alma se expressa com mais claridade através do rosto (Simmel).” Essa profundidade encontramos nos retratos de Poty. São imagens expressivas e agitadas: têm existência real, não há espaço para impessoalidade. Ícones que surpreendem a realidade natural e social, vão do realismo à caricatura. São traços certeiros, linhas econômicas que sintetizam em pequenos detalhes a personalidade do retratado. O macambúzio Bakun contrasta com os enérgicos autorretratos do artista. Poty, ao olhar para si mesmo, revela a individualidade de um homem firme, direto, dado a poucos devaneios – e humano, demasiadamente humano.

Nascido em modesta casa de madeira no Capanema, criado nos trilhos da ferrovia que passava em frente à sua casa, com um pai ferroviário, mãe cozinheira e avô marceneiro, Poty desenvolveu uma paixão pelos trabalhadores humildes acalentada em toda a sua vida, mesmo depois de viver em metrópoles como o Rio de Janeiro e Paris. Seus desenhos e gravuras traduzem a paixão pelo trabalhador, tanto pelo operário no dia a dia do trabalho árduo, em especial o ferroviário, pelas carrocinhas de polaca, pelas vendedoras ambulantes, pelos motoristas dos bondes abertos e pelos donos de botecos, como pelo homem simples no cotidiano: nas festas de igreja, nas sociedades operárias, no Cine Morgenau, no jogo de truco, todos celebrando a vida. O trabalho é visto por Poty muito mais como realização do que penúria e alienação. Encontramos nessa poética do trabalho a energia de São Francisco, os traços corajosos de Goya e a ternura de Käthe Kollwitz. Delicadeza e cunho social, dignidade e humanidade.

Poty celebra a sabedoria indígena que cultua a natureza e os mitos. Colhe, no meio das inúmeras línguas e dos ricos rituais, o artista nato, seja nas cestarias, nos bancos, nos arcos e nas flechas, na pintura corporal, nas máscaras e até nos simples nós e na arquitetura das ocas. Os desenhos de Poty realizados no Alto Xingu, na ainda extensa Floresta Amazônica dos anos 1960 (1967/68), são um elogio à natureza, ao bom selvagem de Rousseau. Fazem jus a essa imaginação intelectual e instintiva transbordante dos nativos.

“O mundo profano é o universo das interdições, enquanto o mundo sagrado corresponde ao das transgressões (Bataille).” Os santos de Poty são muito conhecidos, em especial São Francisco, por ele desenhado, talhado e gravado inúmeras vezes. Os vestígios do sagrado, a comunicação com o transcendental presente na alma de Poty, o conduzem a uma religião no sentido de religar, do latim religare, que celebra o entendimento humano. Desse modo, não precisa necessariamente estar vinculado a uma religião louvando aos deuses para ser religioso. A aura, se existe, é aquela que envolve a ligação ao outro, a prática do humanismo. Inspirado em São Francisco, Poty celebra a natureza e a pessoa humana.

Mergulhar nos desenhos e gravuras de Poty é viajar no cotidiano da provinciana Curitiba. Desde as cenas das carrocinhas das polacas, trabalhadores indo ao ofício de bicicleta, desastres na ferrovia, brigas nos botecos, as enchentes no centro da cidade, os meninos soltando pipas, o Circo dos Irmãos Queirolo e o glorioso regresso de Didi Caillet até a procissão dos meninos correndo atrás do trolley do padre Maurício, que distribuía balas para atrair os pequenos para o Santo Ofício. Também estendeu seu olhar a outras paragens: seus traços escorregam por cenas marítimas da Bahia, pelas igrejas e santos de Ouro Preto, pelas esculturas das catedrais de Chartres e de Paris. Eterno viajante, Poty une a Curitiba nostálgica à descoberta do mundo.

Desde o início da sua atividade artística, Poty sempre foi um narrador, criando imagens para contar histórias. Ainda criança, fez histórias em quadrinhos inspiradas nos modelos norte-americanos; já adolescente, criou imagens de violência e fantasia, inspiradas em autores como Edgar Allan Poe e William Shakespeare. O cinema, também uma forma de narração através de imagens, foi outra influência decisiva na sua obra: ainda criança, frequentava o antigo cinema do Clube Morgenau e depois desenhava as cenas que ficavam marcadas na sua memória. Poty tornou-se ilustrador de livros ainda jovem: desde 1943 e até o fim da vida, ilustrou mais de 170 títulos de autores brasileiros e estrangeiros. Com seu amor pelo cinema, também realizou uma magistral série de desenhos à maneira de cartazes de clássicos do cinema – o desenho como extensão da sétima arte.

“Na galeria dos nossos grandes (mas muito poucos) ilustradores de nossos livros (numerosos, mas ainda muito poucos), nunca a fusão verbo-ícone atinge tão intrínseca adequação: nunca um ilustrador, entre nós, foi tão ilustrador, tão capaz de dizer o que as palavras não sabiam ou não podiam.” (Antônio Houaiss)

O primeiro mural público de Poty foi o da Praça 19 de Dezembro, por ocasião do Centenário da Emancipação do Paraná, em 1953, em estilo mais realista. Desde então, realizou um grande número de obras públicas, que estão presentes em várias cidades brasileiras, tendo chegado também à Europa, com trabalhos no Algarve, em Portugal, e em Paris. Para o artista, os murais públicos eram uma extensão da gravura, pela sua capacidade de levar a sua arte a um público mais amplo. Na sua obra pública, Poty emprega sofisticadas técnicas de montagem e articulação dos elementos figurativos para representar a história humana, o desenvolvimento das cidades, das artes, dos saberes e das tecnologias. Para quem passeia por Curitiba, fica o convite para encontrar, na cidade, os murais de Poty: como a chuva e os pinheiros, eles são parte da paisagem curitibana.

“Cabe a cada menino guardar, para todo o sempre, um instante daquele voo de silêncio e fúria, de ruído e paz...” (Valêncio Xavier)

La exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, realizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas realizada por la familia del artista al Museo, en 2022. Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, celebra el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998).

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista.

Poty, artista curitibano? Não: Poty, artista do mundo. Esta é a premissa desta exposição: mostrar um dos mais importantes artistas de Curitiba em sua dimensão universal. Comemoramos o centenário de nascimento de Poty Lazzarotto trazendo ao público uma ampla seleção das suas obras recentemente doadas ao MON pelo Sr. João Geraldo Lazzarotto, irmão do artista. Nesta mostra, as peças foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na sua obra, representativos das diferentes facetas do artista: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista. Mas Poty, o piá do Capanema que amava o cinema e as histórias em quadrinhos, é ainda mais que tudo isso. Através do desenho, seu principal meio de expressão, abordou os mais variados temas, passou por diferentes estilos, sempre buscando levar a arte ao seu mais importante destino: o povo. Na sua atividade artística incessante e obstinada, deu a ver o mundo real do trabalho e a realidade social; recriou, em imagens, o universo criativo da literatura; em seus murais, plasmou a grande aventura da história universal. Sempre buscando a divulgação popular da arte, foi da gravura à ilustração, do desenho minúsculo ao mural monumental. Na simplicidade do desenho, com a sua visão humana e pungente da experiência humana em todas as suas dimensões, Poty criou um vasto imaginário coletivo: em seus trilhos e traços, viajamos ao mundo.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

MON realiza gran exposición celebrando los cien años de Poty Lazzarotto

El Museo Oscar Niemeyer (MON) presenta la gran exposición “Vías y Trazos – Poty 100 años”, para celebrar el centenario de Poty Lazzarotto (1924-1998). Con curaduría de Maria José Justino y Fabricio Vaz Nunes, la exposición reúne aproximadamente 500 obras, una muestra de la donación de 4 mil piezas que hizo la familia del artista al Museo, en 2022. La inauguración será el día 11/4, a las 19h, en la Sala 6.

"Poty, en su centenario, sigue siendo actual e incomparable, y esta nueva exposición refuerza la importancia del artista para la identidad cultural de Paraná. Estoy segura de que la exposición en el Museo Oscar Niemeyer presentará su obra única a miles de personas y también a las nuevas generaciones", afirma Luciana Casagrande Pereira, Secretaria de Estado de Cultura de Paraná.

“Más que celebrar el centenario de este artista curitibano, que es uno de los principales nombres de las artes en el Estado y el País, la exposición se convierte en un lugar de referencia para Poty Lazzarotto”, afirma la directora-presidente del MON, Juliana Vosnika.

“A partir de ahora, los visitantes del MON, especialmente los cientos de estudiantes de escuelas públicas y privadas que visitan diariamente el Museo, seguramente podrán saber más y conocer mejor a este genio de las artes”, comenta.

La exposición es también una oportunidad para que el espectador profundice en la vida y obra de Poty. “Al proporcionar una inmersión en un vasto contenido, reunido aquí, el MON anima al público a aumentar su repertorio echando una nueva mirada a este artista único”, dice Juliana.

La premisa de la exposición, según los curadores, es ir más allá de las fronteras regionales y presentar a Poty en su dimensión universal. “En su incesante y obstinada actividad artística recreó, en imágenes, el universo creativo de la literatura; en sus murales creó la gran aventura de la historia universal”, informan. “Buscando siempre la difusión popular del arte, pasó del grabado a la ilustración, del diminuto dibujo a los murales monumentales”.

En la exposición, las obras se organizaron en torno a nueve núcleos temáticos presentes en la trayectoria artística de Poty, representando sus diferentes facetas: el Narrador, el Trabajo, el Xingu, lo Sagrado, la Guerra, la Vida Cotidiana, el Viajero, el Muralista y el Retratista. “Pero Poty, el muchacho de Capanema que amaba el cine y los cómics, es aún más que todo eso”, dicen los curadores.

El 29 de marzo, día del aniversario de Curitiba y, casualmente, fecha de nacimiento del artista Poty Lazzarotto – el MON recibió la mayor colección jamás donada a la institución: aproximadamente 4.500 piezas. En el año 2022.

Esta colección cuenta con más de 3 mil dibujos y 366 grabados, además de tapices, tallado, serigrafías y esculturas, entre otros. La donación fue realizada directamente por el hermano del artista, João Lazzarotto.

Son obras que enriquecen aún más la colección del MON, que en los últimos años ha quintuplicado su tamaño, consolidando al Museo como uno de los más importantes de América Latina.

En esta exposición se puede ver una muestra de la amplia colección de Poty.

Así, el eje central del edificio del Museo se convierte en el escenario de las mayores colecciones recibidas por el MON, junto con exposiciones de arte asiático y africano.

Poty Lazzarotto (Curitiba, 1924-1998) siguió su camino a partir el dibujo, para luego profundizar en el grabado, del que se convirtió en maestro, siendo creador del primer curso de grabado en el Museo de Arte de São Paulo (Masp). Gran parte de su producción es biográfica y abarca desde recuerdos infantiles alrededor de vías y vagones de tren hasta registros de tipos de curitibanos y los entornos que ellos habitan.

Poty es directo y contundente en sus dibujos y grabados. Fue con esta característica espontánea que ilustró varias obras de la literatura brasileña, como Os sertões, de Euclides da Cunha, y Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Tampoco podía dejar de dar vida a los controversiales curitibanos retratados en las historias de otro ícono paranaense, Dalton Trevisan.

Como si su presencia en la literatura no fuera suficiente, Poty dejó su huella en toda Curitiba a través de sus monumentos o paneles de azulejos y concreto visto, práctica que comenzó con el panel “Desarrollo Histórico de Paraná”, de 1953, en la Plaza 19 de Dezembro. Otros ejemplos de esta producción son los paneles de la calle Nestor de Castro, en los que muestra, por un lado, el escenario de una Curitiba que ya no existe, y, por el otro, la evolución de la ciudad, surgida en medio del pinar, habitada por inmigrantes, y que se destaca en el ámbito del urbanismo.

La colección donada al Museo Oscar Niemeyer abarca toda esta producción. En ella podemos encontrar originales tantas veces reproducidos en libros y otras publicaciones sobre el artista, entramos en contacto con los dibujos realizados por él en su expedición al Xingu, en 1967, y nos adentramos en la intimidad de un Poty casi desconocido. Además, todavía encontramos bocetos, proyectos y estudios, y podemos ver la evolución del trazo, desde su juventud hasta su madurez. De este modo, la colección constituye un verdadero material etnográfico sobre el artista.

Donada al MON por la familia de Poty Lazzarotto, la colección se compone también, por supuesto, de obras consumadas, dibujos, xilografías, litografías, grabados en metal, tallado en madera y bloques de concreto: miles de piezas que dan claro testimonio de la versatilidad del artista. 
A través de Poty, tomamos conciencia del arte que se hacía y se hace en Paraná.

Preservar no sólo el legado de este artista, sino su memoria, es ante todo un deber, una tarea asumida y realizada adecuadamente, ahora, por el Museo Oscar Niemeyer.

A exposição “Trilhos e Traços – Poty 100 anos”, realizada pelo Museu Oscar Niemeyer (MON), reúne aproximadamente 500 obras, um recorte da doação de 4 mil peças realizada pela família do artista ao Museu, em 2022. Com curadoria de Maria José Justino e Fabricio Vaz Nunes, comemora o centenário de Poty Lazzarotto (1924-1998).

Na mostra, as obras foram organizadas em torno de nove núcleos temáticos presentes na trajetória artística de Poty, representativos das suas diferentes facetas: o Narrador, o Trabalho, o Xingu, o Sagrado, a Guerra, o Cotidiano, o Viajante, o Muralista e o Retratista.  

Trilhos e Traços – Poty 100 anos

A chegada da coleção asiática ao MON, anos atrás, elevou o Museu Oscar Niemeyer (MON) ao patamar dos grandes museus internacionais. A exposição “Ásia: a Terra, os Homens, os Deuses”, que apresenta um recorte desse acervo, doado pelo diplomata Fausto Godoy, já teve algumas reformulações e rendeu itinerâncias pelo interior do Estado do Paraná, alcançando milhares de pessoas. 

Agora, de uma maneira arrojada e singular, a exposição se renova, com o objetivo de chegar a um público cada vez maior, democratizando ainda mais o acesso a essa riquíssima coleção.

Entendemos o Museu como um espaço vivo, dinâmico e de eterna troca entre visitantes, artistas e curadores. Desta vez, a intenção do MON é trazer um diálogo entre arte asiática clássica e artistas contemporâneos daquele continente. 

A arte contemporânea busca nos mostrar que sempre pode haver beleza nas imperfeições e nos processos. Todos estamos em constante mutação e a arte é um caminho para o equilíbrio móvel que é a vida. 

Como estar em harmonia com a impermanência é a proposta desta intervenção da mostra asiática. Entre outras novidades, o público encontrará experiências imersivas em tempo real, biblioteca de vídeos interativos, videoinstalação e um “Museu Virtual” com 16 obras de 12 artistas asiáticos. Dessa forma, o MON mantém sua premissa de oferecer experiências únicas e transformadoras aos visitantes.

Disputada por outras instituições do Brasil e por colecionadores do exterior, a coleção asiática do MON é composta por 3 mil peças de arte e, quando chegou, provocou uma discussão sobre a definição de uma nova linha curatorial pelo conselho cultural do Museu. 

Foi quando se abriu espaço no acervo, com ênfase também para as artes asiática, africana e latino-americana, em consonância com os grandes museus do mundo, tornando-o distinto da tendência eurocêntrica que domina a cultura ocidental.

Um museu existe a partir do seu acervo, mas é da interação entre o público e suas obras que são disseminados cultura e conhecimento, bens que nos fazem mais humanos.

Juliana Vellozo Almeida Vosnika 
Diretora-presidente Museu Oscar Niemeyer

El MON renueva la exposición asiática en un diálogo con el arte contemporáneo de ese continente

“Vivir en armonía con la impermanencia”, con curaduría de Géraldine Lenain, es la nueva edición de la exposición “Asia: la Tierra, los hombres, los dioses”, organizada por el Museo Oscar Niemeyer y expuesta en la Sala 5.

Entre otras novedades, el público encontrará experiencias inmersivas en tiempo real, una biblioteca de videos interactivos, una videoinstalación y un “Museo Virtual” con 16 obras de 12 artistas asiáticos. De esta forma, el MON mantiene su premisa de ofrecer experiencias únicas y transformadoras para los visitantes.N mantém sua premissa de oferecer experiências únicas e transformadoras aos visitantes.

A impermanência é um dos princípios fundamentais da filosofia budista. Isso significa que nada é imutável, tudo está em constante movimento. Portanto, precisamos nos adaptar às mudanças inevitáveis em nosso ambiente e, consequentemente, rever nossas certezas, nossos comportamentos e nossos hábitos. Na Ásia, a impermanência é tão antiga quanto o tempo, e ainda é relevante hoje.

O tema assume seu significado pleno no diálogo entre a coleção de arte asiática clássica de Fausto Godoy e as obras de artistas asiáticos contemporâneos. Biblioteca de vídeos Aika, Museu virtual Aika, vídeo DSL de paisagem em movimento, interação virtual Jisoo e performances Jisoo ilustram esse processo de movimento. Tudo está sempre em movimento.

Viver em harmonia com a noção de impermanência não significa condenar-se ao desespero e à depressão, mas sim, lembrar-se diariamente do milagre e da beleza desta vida que nos é oferecida. Ninguém sabe quando deixará este mundo. O convite é, portanto, para saborearmos plenamente todas as bênçãos da existência enquanto ainda podemos. Não há tempo a perder para se alegrar e celebrar a vida.

O conceito japonês wabi-sabi, um pilar da coleção de Fausto Godoy, celebra a beleza da imperfeição e da impermanência, um reflexo do ciclo da vida. É um princípio segundo o qual a harmonia está na naturalidade e na espontaneidade, e não na ausência de defeitos. Assim, a assimetria, a impermanência, os desequilíbrios, as formas incompletas e as rupturas passam a sublimar as coisas. O wabi-sabi é a plenitude que sentimos quando contemplamos uma paisagem natural, uma tigela de terracota de aparência irregular ou até mesmo quando saboreamos um vinho que melhorou com o passar dos anos.

Jisoo Yoo
Instalación interactiva
Dimensiones variables

Guerra Sino Japonesa: Capitão Asakawa Migita Toshihide (1862 – 1925)

Recipiente com inscrições do Alcorão 

“Vivir en armonía con la impermanencia”, con curaduría de Géraldine Lenain, es la nueva edición de la exposición “Asia: la Tierra, los hombres, los dioses”, organizada por el Museo Oscar Niemeyer (MON), y expuesta en la Sala 5.

Luciana Casagrande Pereira, secretaria de Estado de Cultura de Paraná, señala que la renovación de la exposición asiática refuerza el compromiso del MON de ofrecer al público una experiencia cultural amplia y diversa. “Esta exposición nos invita a reflexionar sobre la impermanencia, la transformación y, por primera vez desde la llegada de la colección asiática a la colección del MON, habrá una integración entre el pasado y la época contemporánea, lo que realmente debe instigar al público”, señala.

“La llegada de la colección asiática al MON, hace años, elevó al MON al nivel de los grandes museos internacionales”, comenta la directora general de la institución, Juliana Vosnika. La exposición, que presenta una muestra de esta colección, donada por el diplomático Fausto Godoy, ya tuvo algunas reformulaciones y estuvo de gira por el interior del Estado de Paraná, llegando a miles de personas.

“Ahora, de forma audaz y única, la exposición se renueva, con el objetivo de llegar a un público cada vez mayor, democratizando aún más el acceso a esta riquísima colección”, afirma. En esta ocasión, la intención del MON es crear un diálogo entre el arte clásico asiático y los artistas contemporáneos de ese continente.

“El arte contemporáneo busca mostrarnos que siempre puede haber belleza en las imperfecciones y en los procesos. Todos estamos en constante cambio y el arte es un camino hacia el equilibrio móvil que es la vida”, afirma Juliana.

Cómo estar en armonía con la impermanencia es la propuesta de esta intervención en la exposición asiática. Entre otras novedades, el público encontrará experiencias inmersivas en tiempo real, una videoteca interactiva, una videoinstalación y un “Museo Virtual” con 16 obras de 12 artistas asiáticos. De esta manera, el MON mantiene su premisa de ofrecer experiencias únicas y transformadoras a los visitantes.

“La impermanencia es uno de los principios fundamentales de la filosofía budista. Esto significa que nada es inmutable, todo está en constante movimiento”, afirma la curadora. Por tanto, necesitamos adaptarnos a los inevitables cambios de nuestro entorno y, en consecuencia, revisar nuestras certezas, nuestros comportamientos y nuestros hábitos. “En Asia, la impermanencia es tan antigua como el tiempo y sigue siendo relevante hoy”, comenta Geraldine.

Explica que la obra “Mi casa en el aire”, performance de la artista coreana Jisoo Yoo, que forma parte de la exposición, presenta un espacio familiar (la casa) de manera efímera e inestable. “En su trabajo, la incertidumbre y la fragilidad no son necesariamente negativas. Como dijo Buda, no hay nada constante excepto el cambio”, afirma.

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